Artes Visuales: El Vibrante Universo del Arte de Onofre Frías Cierra su Exposición en Spacio Lotus

Por: Redacción
Foto: Luis Urbina


 El miércoles 5 de marzo de 2025, el renombrado artista internacional Onofre Frías cerró su aclamada exposición en el innovador espacio cultural Spacio Lotus, ubicado en Altamira, Caracas. Con más de 55 años de trayectoria, Frías ha presentado su obra en países como Francia, España, Italia, Alemania, Estados Unidos, Corea del Sur y Canadá. Su arte, una vibrante fusión de elementos figurativos y abstractos, captura la esencia del Caribe y su cultura.

Durante el evento, que reunió a destacados medios de comunicación y críticos de arte, Frías ofreció un conversatorio sobre las fuentes de inspiración que nutren su creación artística, influenciada por la música afrovenezolana de Barlovento, el Carnaval y la Samba, así como por artistas como Kandinsky, Goya y Matisse.

Conocido por sus “performance pictóricos”, en esta ocasión Frías optó por un formato diferente, presentando una colección de litografías inéditas que el público pudo revisar y adquirir a $100 cada una, creando una experiencia interactiva al estilo de una tienda de cómics.

El curador Manuel Aranguren también estuvo presente, haciendo un recuento histórico del arte desde el siglo XIX y destacando la ausencia de crítica de arte en la actualidad. Habló de figuras esenciales del arte venezolano como Carlos Cruz Diez, Jesús Soto, Pascual Navarro y Oswaldo Vigas, así como de críticos importantes como Alfredo Boulton y Peran Erminy.

Manuel Suárez, otro curador presente, respaldó las opiniones de Aranguren y Frías, resaltando a artistas como Ramón Vásquez Brito, quien refleja su entorno geográfico cultural en su obra.

La exposición estará disponible en Spacio Lotus, ubicado en la Urbanización Altamira, Municipio Chacao, de Caracas, hasta el 14 de marzo de 2025. Luego de finalizada dará paso a una muestra colectiva dedicada al mes de la mujer, que reunirá a diversos artistas plásticos, fotógrafos, escritores, poetas, diseñadores de moda y coleccionistas ornamentales.

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Onofre Frías
Spacio Lotus

Del sonido a la imagen: 5ta edición de FERNE, Encuentro de Música Electrónica para Visuales

FERNE es un concierto presencial de músicos creadores de composiciones musicales y electrónicas (realizadas mayormente con instrumentos y medios electrónicos y digitales) dirigidas especialmente a audiovisuales: documentales, películas, comerciales, cortos animados o artísticos, por ejemplo, con proyecciones de producciones visuales que realcen la presentación musical.

Este Festival es itinerante porque se presenta en varios escenarios de la ciudad, del estado o del país en el lapso de un año.

Este 2025 la 1ra presentación será el 31 de enero en el auditorio del CEVAZ (Centro Venezolano Americano en Maracaibo, estado Zulia) con 4 artistas electrónicos venezolanos en vivo a las 7pm. 2 son noveles artistas:

Washé 

El tejedor de sonidos ancestrales y electrónicos. Fusiona las ricas tradiciones indígenas de Venezuela con la vanguardia de la tecnología musical. A través de colaboraciones multimediales, Washé se convierte en un puente entre el pasado y el futuro, entre la sabiduría ancestral y la innovación contemporánea. Hace unos meses lanzó su más reciente trabajo discográfico Madre, en colaboración el productor italiano Go Dugong, en el cual el trabajo de campo, en plena selva venezolana, sirvió de materia prima para crear piezas de vanguardia.

eCanaan 

Con una amplia trayectoria cómo músico y productor, Enrique Rincón, conocido también cómo Canaán, se especializa en la composición de música electrónica orquestal, música acústica orquestal y música ambiental con étnica, incluyendo fragmentos étnicos de flautas y canciones indígenas venezolanas, así cómo sonidos electrónicos y tambores afro-venezolanos para cine de ficción, cine documental,  danza, teatro y medios mixtos.

Andrés Rojas 

Músico caracterizado por explorar el vasto mundo de la síntesis, mezclándolo con texturas vocales y orquestales. Tras componer bandas sonoras para dos videojuegos y un cortometraje, por primera vez se presentará en vivo con composiciones inéditas.

Julián Ortega 

También conocido por su nombre artístico, j.artehaga, es un joven artista que explora en géneros como la electronica, ambient y lo-fi. Comenzó en el ambito de la composición hace un año, haciendo uso de armonía tonal moderna y sus influencias de música clásica como pianista

El Festival está dirigido a personas relacionadas con trabajos creativos, estudiantes de medios audiovisuales y al público en general. FERNE propaga información, ideas e inspiración a todo realizador de audiovisuales de cualquier nivel.

El Festival ha sido diseñado de una manera simple y efectiva, lo que permite su presentación en diversos escenarios. Es su intención llevarlo a Escuelas, Universidades, Comunidades y diferentes poblaciones del país.

También en FERNE se ofreceráun taller de creación de música electrónica en el mismo auditorio una hora antes del concierto, a las 6pm:

Del sonido a la imagen: Un viaje por el diseño sonoro en audiovisuales. Sumérgete en el universo de FERNE y descubre los secretos detrás de las atmósferas sonoras que te transportan a otros mundos. En esta charla, exploraremos cómo el diseño sonoro se convierte en un elemento fundamental para crear experiencias audiovisuales inmersivas. Desde la selección de sonidos hasta la creación de efectos especiales, te mostraremos cómo el sonido puede transformar una imagen en una experiencia multisensorial Entrada Libre.

Producido por Enrique Rincón y Carlos Conde para Ethco @ethcorecords y Cevaz @cevaz_zulia

Información: +58 414 3688798

 

Un clásico resurgido: relanzan "Dioses Terrestres" de la agrupación El Rastro.

 

No es la noticia qué quisiéramos escuchar. Somos miles quienes quisiéramos una reunión, y no una simple reedición. Pero siempre es bueno que cierto material musical perdido en el tiempo sea rescatado del olvido y dado a conocer a las nuevas generaciones.

Después de más de tres décadas de silencio, la banda de rock alternativo caraqueña El Rastro está de vuelta, al menos en el ámbito discográfico. Su icónico álbum debut, "Dioses Terrestres" (1991), ha sido reeditado y remasterizado, reviviendo un sonido que es recordado por importantes músicos, melómanos y cronistas de nuestra escena.

Formada a finales de los ‘80, El Rastro se convirtió en un referente del rock indie venezolano, compartiendo escenario con bandas como Sentimiento Muerto y Zapato 3. Su sonido, una mezcla única de post-punk, rock alternativo y letras introspectivas, los posicionó como una de las bandas más innovadoras de su época.

Con influencias que van desde Pink Floyd hasta The Smiths, pasando por el rock argentino, "Dioses Terrestres", trabajo que resucita tres décadas después, es un viaje emocional a través de la soledad, la esperanza y el amor. Canciones como "Una Ilusión" se convirtieron en himnos para quienes esperaban nuevas formas de expresión y vivieron la transición del new wave más plástico al grunge más orgánico.

Esta reedición es una oportunidad para (re)descubrir uno de los tesoros ocultos del rock venezolano. Puede ser adquirido en CD y también escuchado en todas las plataformas. La versión física se puede adquirir (por ahora) en las tiendas Al Toque Records de Caracas y Twilight Records de Buenos Aires.

IRЯEVERENCIA FEST!

Tres de las voces más icónicas y representativas de la movida emergente que irrumpió en el Pop Rock venezolano de principios y mediados de los años 80, se juntan en una noche realmente alternativa.

El viernes 6 de diciembre, Teatrex El Bosque abre sus puertas a un evento único que reúne tres proyectos con historia y mucho impacto en la escena musical venezolana:

• Los Píxel, cuarteto comandado por Pablo Dagnino (ex vocalista de los legendarios Sentimiento Muerto) y el guitarrista Tito Fierro, junto al baterista Eduardo Sáez y el bajista Pablo Fernández. Cuentan con una discografía de siete discos, siendo su más reciente trabajo el EP «Fractura». Los Píxel han estado nominados a los Grammy y son hoy por hoy uno de los grupos más solidos y de mejor sonido en el panorama del Pop Rock hecho en Venezuela.

• PPS (Pedro Pérez Show), la agrupación pionera del New Wave en Venezuela y una de las primeras en explotar esa onda musical en toda Latinoamérica. Un proyecto reconocido como fuerte influencia por músicos de Amigos Invisibles, Onice, Desorden Público y un largo etcétera. Pedro Pérez Márquez ha reconstruido su grupo uniendo fuerzas con cuatro musicazos de reconocida trayectoria: Chapis Lasca (bajista de Malanga), Claudio Leoni (baterista de Spías, Plomo, Señorita Cometa y Onechot), la guitarrista barquisimetana Rachel Noisemaker y el tecladista y guitarrista Víctor Hugo Mendoza.

De PPS, hace menos de un mes, se acaba de editar en España y en formato LP un compilado bien representativo de sus primeros tres discos, lo que habla muy bien de la vigencia que siguen teniendo sus canciones de principios de los ‘80.

• Horacio Blanco, vocalista y principal compositor en Desorden Público, en esta ocasión presenta su primera producción en solitario, el disco «Otras distorsiones» que lo aleja bastante del sonido de Desorden y lo acerca más al Indie Rock. Horacio cuenta con un poderoso cuarteto conformado también por músicos de gran experiencia en las movidas de la música venezolana contemporánea, el Jazz y el Reggae hecho en Venezuela: Víctor Morles en los teclados, Raymond Mariño en el bajo, Lerryns Hernández en baterías y la vocalista y actriz Claudia Rojas.

IRЯEVERENCIA FEST! junta a Pablo, Pedro y Horacio en un concierto de tres actos. Tres «caballos» de los sonidos alterna4vos caraqueños que se forjaron de manera independiente, a pulso y de manera orgánica; rompiendo moldes con canciones, letras y actitud que definieron una escena que nada tuvo que ver con aquel Boom de los artistas de Sonográfica y Sonorodven… y lo más importante: durante casi cuatro décadas estos tres vocalistas nunca pararon de componer, grabar, tocar en vivo y mostrar nueva música, de manera seria, honesta y comprometida.

En tiempos de tanta sobreexposición de la llamada «música urbana» el IRЯEVERENCIA FEST! brinda una excelente opción para disfrutar de buen Pop Rock y New Wave muy actual y bien hecho en nuestro país.

La cita será el viernes 6 de diciembre 2024 en Teatrex de la Urbanización El Bosque, ubicado en la planta baja del edificio de Fedecámaras.

Las entradas 4enen un costo de $10 y están a la venta en las taquillas del teatro, las dos sedes de la disco4enda “Al Toque Records” (CCCT y Concresa) y en la Tasca DaPonte en Chacao.

Habrá área de bebida y comida más venta de merchandise oficial de las bandas. Las puertas abren a par4r de las 7 pm y la primera agrupación estará tocando a las 8 pm. 

El II Festival de Cine Türkiye 2024 traerá un menú de películas tan atractivas como variadas

Del 28 de noviembre hasta el 14 de diciembre se proyectarán, de manera gratuita, diez títulos de lo más reciente del cine turco, algunos de ellos laureados en importantes festivales, en clave de drama, comedia, aventura, bélicos, de animación y romance.

Con un ciclo de 10 películas de la vigorosa y aclamada cinematografía turca, llega a Caracas el II Festival de Cine Türkiye 2024, a celebrarse del 28 de noviembre al 14 de diciembre. Debido al éxito alcanzado en la primera edición, las expectativas ante esta nueva muestra del séptimo arte de la pujante república transcontinental son crecientes.

Todas las proyecciones serán gratuitas y tendrán lugar en simultáneo en el Trasnocho Cultural y Cines Unidos Líder del 28 de noviembre al 4 de diciembre.

También habrá funciones especiales desde el 5 hasta el 14 de diciembre, dentro del marco del Gran Cine Móvil, en diferentes espacios de la capital; así como los días 7 y 14 de diciembre en Cine Ávila Líder. La programación se anunciará a través de las redes sociales de Gran Cine , así como del Consulado y la Embajada de Türkiye en Venezuela.

Las películas que forman parte de la atractiva y variada programación, en géneros tan diversos como drama, comedia, aventura, bélicas, animación y romance de este II Festival de Cine Türkiye 2024 son las siguientes:

EL MAGO (Hokkabaz, Turquía, 2006). Comedia dramática. Netflix.

Dirección: Cem Yilmaz, Ali Taner Baltaci.

Sinopsis: Iskender, un mago fracasado, decide hacer una gira para salvar su carrera, pero tiene que llevar consigo a su malhumorado y senil padre. La gira se interrumpe inesperadamente cuando una novia desaparece del escenario. 

*Tráiler:* https://www.youtube.com/watch?v=nYyRQ_RXuzg

Premios: Festival Internacional de Cine de Ankara: Mejor actor revelación (Tuna Orhan); Festival de Estambul: Selección oficial; Festival Internacional de Cine Independiente de Bruselas: Mejor actor (Cem Yilmaz); Asociación de Críticos de Cine de Turquía: 3 nominaciones.

NO ME CUENTES HISTORIAS (Bana Masal Anlatma, Turquía, 2015). Comedia. Romance. 

*Dirección y guion:* Burak Aksak.

*Sinopsis:* La historia es la de Riza, un conductor de autobús, cuya vida toma un giro inesperado cuando conoce a Ayperi, quien le enseña a apreciar las pequeñas alegrías de la vida y a soñar en grande. 

*Tráiler:* https://www.youtube.com/watch?v=iLLDaM8DfM8

LA CAJA DE PANDORA (Pandora’nin Kutusu, Turquía-Francia-Alemania-Bélgica, 2008). Drama.

*Dirección:*  Yeşim Ustaoğlu.

*Sinopsis:* Cuando una matriarca anciana empieza a mostrar signos de demencia, su disfuncional familia de Estambul debe sortear un campo minado de asuntos sin resolver para cuidar de ella. 

*Tráiler:* https://www.youtube.com/watch?v=6hzB5Br5fYE  

Premios: Festival de San Sebastián: Concha de Oro a la Mejor Película y Concha de Plata a la Mejor Actriz (Tsilla Chelton); Festival de Estambul: Mejor actriz (Tsilla Chelton); Asociación de Críticos de Cine de Turquía: 6 nominaciones (incluyendo mejor película y dirección).

MONTAÑA II (Dag II, Turquía, 2016). Drama bélico.

*Dirección, guion y montaje:* Alper Çağlar.

*Sinopsis:* En una desolada zona de guerra donde resuenan los gritos de los inocentes, siete Boinas Marrones bailarán con la muerte en la misma línea que separa el desastre del valor. Secuela de la película de 2012.

*Tráiler:* https://www.youtube.com/watch?v=4WY0igbRRdQ

AL AMOR LE GUSTAN LAS COINCIDENCIAS (Aşk Tesadüfleri Sever, Turquía, 2011). Drama.

*Dirección:* Ömer Faruk Sorak.

*Sinopsis:* Una serie de coincidencias une a dos amantes desafortunados, pero el destino los separará hasta que se vuelvan a encontrar en Estambul. 

*Tráiler:* https://www.youtube.com/watch?v=1qjMQ1xBldI

MI HERMANO (Kardesim Benim, Turquía, 2016). Drama. Comedia.

*Dirección:* Mert Baykal.

*Sinopsis:* Después de muchos años de distanciamiento y conflictos, dos hermanos se ven obligados a reencontrarse para cumplir la última voluntad de su recién fallecido padre. 

*Tráiler:* https://www.youtube.com/watch?v=FINISWcn1ow

EL PERAL SILVESTRE (Ahlat Ağacı, Turquía-Francia-Alemania-Bulgaria-Macedonia del Norte-Bosnia y Herzegovina-Suecia, 2018). Drama.

*Dirección y montaje:* Nuri Bilge Ceylan.

*Sinopsis:* A Sinan le apasiona la literatura y siempre ha querido ser escritor. Al regresar a la aldea donde nació, pone su corazón y su alma en reunir el dinero que necesita para que su obra literaria sea publicada, pero desgraciadamente las deudas de su padre lo alcanzan, complicando la consecución de su sueño. 

*Tráiler:* https://www.youtube.com/watch?v=bcFuhAq1sJs

Premios: Festival de Cannes: Selección oficial; Seleccionada para el Oscar a Mejor Película Extranjera.

RAFADAN TAYFA: LA AVENTURA DEL DESFILADERO (Rafadan Tayfa Dehluiz Macerasi, Turquía, 2018). Animación. Aventura.

*Dirección y producción:* Ismail Fidan.

*Sinopsis:* Cuenta la historia del equipo de Rafadan Tayfa, que se embarca en una aventura para evitar la demolición de las casas de su barrio.

LA FAMILIA DE LOS TOPOS (Köstebekgiller: Perili Orman, Turquía, 2015). Animación.

Dirección: Mustafa Kotan.

*Sinopsis:* Una joven descubre una casa de topos mientras está en el jardín. No le lleva mucho tiempo hacerse amiga de ellos. Mientras tanto, del otro lado, hay un hombre malvado que quiere deshacerse de la casa. La joven y los topos deberán encontrar la manera de preservar su hogar.

ELIXIR (Iksir, Turquía, 2014). Aventura. Animación.

*Dirección:* Birkan Uz.

*Sinopsis:* Kerem, quien ahora es un joven músico de rock extremadamente popular, creció con su hermana pequeña, Buse, en la granja de su abuelo tras perder a sus padres. El abuelo, un inventor extraordinario, crea un día un elixir que permite a los humanos hablar con los animales y controlar su comportamiento.

*Tráiler:* https://www.youtube.com/watch?v=arLwIhddAMk

Polos opuestos en el jazz: Anaïs Drago y Camille Bertault en el 3er Festival Eurovenezolano

El 5 de octubre, el 3er Festival de Jazz Eurovenezolano reunió a dos talentosas artistas: la innovadora violinista italiana Anaïs Drago y la carismática cantante francesa Camille Bertault. Juntas, ofrecieron un espectáculo que demostró la versatilidad del jazz actual. 

                                                                                                                                                                                                                                                                                            Ernesto Soltero

No importa cual sea la causa. Venezuela vive una crisis social, y eso desestimula la creación y la divulgación artística. La incertidumbre ante el futuro y también el factor económico se convierten en desaliento para muchos creadores y promotores. No obstante, siempre encontraremos instituciones y personas dispuestas a luchar, contra viento y marea, para lograr impulsar iniciativas culturales de calidad. Una muestra de ella es el recientemente culminado Festival Eurovenezolano de Jazz.

Durante un par de semanas tuvimos la oportunidad de ver, en la tercera edición del evento, novedosas propuestas de un género el cual, aunque hoy día se percibe cómo académico (la música clásica de los negros, cómo decía Nina Simone) sigue renovándose constantemente, probablemente por fusionarse - de manera natural- con otros estilos, cómo por ejemplo la música étnica, y adoptando además lo mejor de la tecnología aplicada al arte

Los artistas que se presentaron en esta muestra fueron pocos, pero lo que faltó en cantidad sobró en calidad. Un ejemplo lo tenemos en el recital del pasado 5 de octubre, el penúltimo de todo el ciclo, en la Asociación Cultural Humboldt de Caracas. Dos talentosas jazzistas, ambas intérpretes y compositoras, provenientes de Italia y Francia respectivamente, nos demostraron porqué han sido tomadas en cuenta por publicaciones tan prestigiosas cómo Downbeat, algo así cómo “La Biblia” de la música que practican.

Anaïs Drago y Camille Bertault representan dos polos opuestos dentro del universo jazzístico, uno con tendencia al pop y otro más experimental.

En el caso de Drago etiquetar cómo jazz al material que presentó ese día en “la Humboldt” requiere de cierto criterio subjetivo La violinista itálica se presentó de manera solitaria excluyendo la compañía de instrumentos típicos del género jazz, ayudándose con herramientas como un sampler y una pedalera con efectos de sonido. Se percibió más bien cómo un buen concierto de música electroacústica.

Cabe agregar que esta instrumentista tiene una faceta la cual, aunque vanguardista, es distinta a la presentada en Venezuela y se acerca más a lo tradicional, al incluir el acompañamiento de instrumentos cómo la batería, el saxofón o el contrabajo. Una vertiente visible en proyectos cómo Anais Drago and the Jellyfish, con influencias de gente cómo Frank Zappa o John Cage.

En el caso de su presentación en el Humboldt, nos sorprendió saber que unas piezas de estructura tan libre formaran parte de un repertorio planificado (tal cómo pudimos apreciar en su set list) aunque posiblemente en vivo sufren alguna ligera variación e incluso cambien su duración. Se trata de composiciones dónde el violín ocupa obviamente un rango protagónico, complementándose con sonidos poco convencionales generados con el mismo instrumento (golpes percusivos a las cuerdas o a la madera, por ejemplo,) los cuales se mezclan en capas junto a sonidos cómo la voz de la intérprete, gracias a artilugios electrónicos manipulados en tiempo real

El resultado es un arte sonoro muy experimental, pero fácil de escuchar, con una atmósfera etérea e hipnótica bastante agradable para el oyente, lo cual generó una fuerte ovación del público. Lamentablemente la restricción horaria tan estricta de la sala impidió a Drago regalarnos al menos una pieza adicional.

Posteriormente vino la presentación de Camille Bertault, una vocalista que ya suma cinco álbumes en su discografía y se ha hecho un nombre dentro de la escena, apareciendo incluso en medios de comunicación tan masivos cómo la revista Vogue.

En nuestra opinión la música de la cantante gala tiene suficiente gancho cómo para llegar a un público mucho más amplio. Su placa más reciente, Bonjour Moun Amour, contiene temas los cuales en ocasiones duran tan sólo un par de minutos, algo que podría facilitar su difusión en los medios comerciales. De ese álbum se extrajo más de la mitad del repertorio interpretado por Bertault en esta ocasión.

La francesa arrancó su presentación con cuatro temazos que casualmente constituyen los primeros tracks de su más reciente trabajo. El primero de ellos, titulado cómo el álbum, sonó más acústico seguramente debido a la ausencia de Christophe Minck, contrabajista francés que también ejecuta el sintetizador Moog en la grabación. Aun así, la estructura del tema se mantuvo casi en su totalidad, con un ritmo más cuadrado (más pop) lleno de adornos jazzísticos.

Algo a destacar es que Cristophe Minck no fue el único miembro ausente de la plantilla oficial de Bertault. Fady Farah y Minino Garay, encargados de los teclados y las percusiones respectivamente tampoco vinieron. No obstante, acompañantes cómo Jesús Milano, Rubén Paiva y Diego Cabrujas, talentosos ejecutantes venezolanos, dieron la talla al acoplarse perfectamente, sonando como si formaran parte del staff regular de la artista.

Quién si estuvo presente fue Julien Alour, trompetista y también pareja de la vocalista, quién adornó elegantemente las composiciones con su instrumento, haciendo un juego armónico interesante con los coros y los fraseos estilo “scat” de Bertault, una técnica la cual ella domina a la perfección y que le sirve, además, para dirigir su pequeña orquesta mediante patrones vocales llenos de ritmo y melodía. Alour también figura cómo compositor en un par de piezas.

Cabe agregar que la cantante tiene bastante dominio de la tarima. Es muy carismática al comunicarse con el público (Pese a sus limitaciones con un idioma que está aprendiendo, el español) y realiza movimientos coreográficos que delatan entrenamiento escénico. Todo eso con una voz que alcanza registros altos cuando la canción lo pide, sin intenciones de alardear. Se paseó por diversos ritmos, coqueteando incluso con sonoridades de nuestros vecinos brasileños.

Al igual que Drago, Bertault tampoco pudo obsequiarle al público más de su repertorio. Al día siguiente se presentó en la clausura del festival, junto a la agrupación del venezolano Manuel Barrios, y pudo interpretar un par de temas adicionales.

El Tambor de Damasco (En Memoria de Juan Carlos Núñez)

por Hugo Alvarez Pifano

Hace pocos días murió un notable músico venezolano: Juan Carlos Núñez, compositor, director de orquesta y docente universitario. Para mí, siempre lo he considerado como el más original y con una personalidad musical muy propia, entre todos los compositores venezolanos. Para hacer esta afirmación hago un bosquejo de su obra más importante: El tambor de damasco, ópera que nos agarra de la mano y nos conduce a un viaje al misterioso universo del antiguo teatro Noh del Japón. Dicho sea de paso, esta es también una de las más importantes óperas escritas en Venezuela. Sin pérdida de tiempo, explico a continuación lo dicho en precedencia.

El damasco es una tela de seda o lana que forma dibujos muy bellos. Cuando un tambor se hace de damasco, se crea una pieza de ornato, atractiva para la contemplación, pero evidentemente carece de sonido. Un tambor de esta suerte es solamente un regalo para los ojos. Si queremos que un tambor suene debemos hacerlo de cuero. ¡Y como suena un tambor de cuero cuando le damos! En este mismo orden de ideas, en Venezuela existe un dicho popular: “Yo me quedo con mi cuero”. Con esto se alude a la existencia de mujeres que, si bien no tienen la belleza del damasco, la suavidad de la seda o la tibieza de la lana, poseen una capacidad de amar tan intensa que vibran como el cuero de un tambor, bien centrado y templado para su percusión. La ópera El Tambor de Damasco de Juan Carlos Núñez se mueve en torno a esta filosofía, tan simple y tan profunda al mismo tiempo. Es una historia de engaños y de amores imposibles, expresada en un lenguaje simbólico. Una mujer que ha perdido su capacidad de amar y de experimentar emociones y por esta razón -el engaño- no escucha el sonido de un tambor de damasco, que le toca el espíritu de un enamorado que se suicidó por ella y al tener un nuevo desengaño -el amor imposible de quien no escucha su tambor- se desvanece para siempre. Esta ópera está basada en un cuento del escritor japonés Yukio Mishima, el mismo hombre que en el mes de noviembre de 1970, después de tomar un cuartel, declaró ante todos los soldados “su oposición a la paz, a la prohibición de la guerra y al cese del servicio militar” y al no conseguir a otra persona que compartiera con él estos mismos criterios, frente a todos se hizo el harakiri y ahí quedo, contemplando sus propios intestinos empapados en un charco de sangre.

Juan Carlos Núñez es un talentoso compositor que tiene una personalidad musical muy propia. Bastante joven tuvo el mérito de separarse de los criterios de Vicente Emilio Sojo, quien pensaba que solo era posible componer música venezolana utilizando elementos del folclore y los motivos musicales de la amplia geografía venezolana. Núñez, a través de un lenguaje universal, también escribe una nueva música de Venezuela. Sus planteamientos estéticos son los de un compositor moderno, pero el tratamiento que da a la orquesta, el uso que hace de los instrumentos y su discurso musical son generalmente tradicionales. Ahora bien, la ópera que nos ocupa no es precisamente una de sus creaciones que se pueda ubicar dentro de estas características, sino más bien un viaje, por llamarlo así, al misterioso universo del antiguo teatro Noh y al mismo tiempo, un intento de adentrarse en un mundo muy extraño como es el de Yukio Mishima.

El Tambor de Damasco presentada en estreno mundial por el Ateneo de Caracas, en su IX Temporada de Ópera Breve, es una obra que busca con todas sus fuerzas ser poética, antes que dramática. Se percibe en el compositor una mentalidad calculadora en la persecución de efectos que produzcan en el oyente un impacto emocional. La ópera tiene un solo personaje con voz masculina, el barítono Pedro Carrillo quien interpreta a Iwakich; el resto son seis voces femeninas, la soprano Sara Catarine (Hanako Tsukioka); la mezzo Amelia Salazar (Kayoko); la soprano Florentina Adam (Fujima); la mezzo Inés Feo La Cruz (Toyama); la soprano Katiuska Rodríguez (Kanako); y, la soprano Laura Bianco (Madame). El canto de todos estos personajes es muy declamado y se alterna entre la melodía apenas perceptible y el discurso entonado. También, de pronto aparece un trozo cantado que resulta muy agradable y entonces, nos damos cuenta que la técnica del bel canto también es aplicable a esta ópera, pero a los cantantes no se les permite, en ningún momento, entrometerse en el lirismo. Con esto, percibimos también la incapacidad de la armonía para sustituir a la melodía, que constituye la columna vertebral de toda ópera.

En otro orden de ideas, Juan Carlos Núñez es un compositor que no tiene en cuenta el requisito básico de la ópera, que es el aria y cuando esto sucede, se hace pródigo en el comentario orquestal y en la producción de efectos instrumentales, que sustituyen la comunicación de sentimientos y la expresión emocional de los cantantes. Lo más cercano que estuvimos de escuchar un aria, fue en la interpretación del recitativo final de Sara Catarine, lo cual hizo con verdadera elocuencia y mostrando la importancia de su espléndida voz de soprano lírico spinto.

La Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas bajo la conducción de su director titular Rodolfo Saglimbeni viene de interpretar los boleros de Billo Frómeta, en esa especie de fábrica de nostalgias en que han transformado al glorioso Teatro Municipal. Nos contentamos que los profesores de la orquesta hayan tenido en el Ateneo la oportunidad de demostrar su jerarquía y valor intelectual, ejecutando con maestría una música de inventiva y vuelos auténticos, pero sumamente complicada, en la que su armazón y distribución de los tiempos esta erizada de escollos y dificultades. Enhorabuena, maestro Saglimbeni por su sabia conducción de esta magnífica orquesta.

Orlando Arocha es un director con un gran sentido de la escena y su trabajo en esta ópera es un buen ejemplo de teatro imaginativo, que captura inmediatamente la atención del público. La postura de los personajes y sus gestos, a veces cómicos, otros grotescos; los continuos cambios de color en el ambiente por efecto de las luces; la desaparición física de objetos en el escenario; todo esto, nos hace a veces sentir la ilusión, que la música ha dejado por momentos de tener un valor independiente como música y ha pasado a formar parte del decorado y del fondo, como uno de los otros elementos que conforman la puesta en escena.

Se trata de una de las mejores óperas y muy bien montada que hemos visto en las últimas temporadas de ópera en Venezuela. Enhorabuena a quienes han hecho posible la realización de esta excepcional ópera venezolana.

IN MEMORIAM Descanse en paz Juan Carlos Núñez, siempre estará en el recuerdo de todos los amantes de la buena música, en cualquier lugar en que se encuentren.

Fotos

1.- El tambor de damasco, ópera que nos toma de la mano y nos conduce a un viaje al misterioso universo del antiguo teatro Noh del Japón.

2.- Juan Carlos Núñez, frente a la Orquesta Municipal de Caracas.

3.- Rodolfo Saglimbeni, director titular de la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas