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viernes, 21 de agosto de 2026

Llega la Cartelera "Esto No es Sad Face" para los Nostálgicos del Cassette

 



La coproducción entre Venezuela y México, que rinde tributo a la movida pop

rock del pujante Maracaibo al final de los 90s y la primera década del 2000,

estrena este mes de octubre en cartelera.


Caracas, Agosto 2026-. En la historia del cine venezolano existen pocos ejemplos de

películas de ficción hechas específicamente para el público juvenil. En ese nicho están

escasamente “Generación Halley” (1986), la popular “Salserín, la primera vez” (1997),

referencia de los años 90s, mucho más atrás, y más recientemente, “Yo y las Bestias” (2021).


Aunque hay mucho por hacer en la filmografía criolla, en ese público juvenil pensaba el

director zuliano José Ignacio Salaverría, cuando, en la década pasada, decidió rodar una

película que reflejara parte de la movida pop-rock underground que se daba en un pujante

Maracaibo cuando él estaba en sus 20s. Fue entonces cuando conoció bandas locales como

Santuario, Decibel, Doña Maldad, yendo de toque en toque y por supuesto, nutriéndose del

grunge y el nu metal a través de la señal de MTV y los mixtapes que intercambiaba con sus

amigos.


Así escribió una historia en la que los personajes llevan nombres de sus ídolos de la música:

Bruce Blanco, el protagonista –por Bruce Dickinson de Iron Maiden– el frontman de la extinta

Sad Face que busca revivir sus días de gloria planificando el regreso de la banda con Remy,

el hijo de uno de sus compañeros, junto a sus amigos Romina, Ricardo y Bob.


Bruce es interpretado por Jorge Luis Moreno, actor mexicano (El señor de los cielos,

Chespirito: Sin querer queriendo, Niñas mal) que se embarcó también en la producción del

proyecto, acompañado por actores zulianos: Ángel Chacín y Guaiker, también músicos, Juan

Mantilla, actor y dramaturgo, y la actriz Fefi Oliveira quien interpreta a la hija abandonada del

irresponsable Bruce. Y por la región centro occidental, los acompañan Jossette Vidal como

Asli y Willy Martin como Amadeus.


Para Salaverría era muy importante que aunque la trama reflejara los sueños de grandeza y

una industria con grandes ambiciones, la identidad regional se mantuviera en la película.

“Yo creía crear una meta realidad inspirada en como yo sentía que era la época y evocando

ese tiempo en el que el rock era todo para mí... es un homenaje a la adolescencia rota”, ha

dicho el director que antes de esta, incursionó en la ciencia ficción con la película La Jaula

(2017).


Como parte de esta atmósfera, “Esto no es Sad Face” incluye en su banda sonora temas

con licencia de la estadounidense Nada Surf, también de TLX, legendaria banda de

Maracaibo formada en 2004 y aún activa, de Jahkogba, otra exponente marabina, más

cercana al reggae, y de la icónica Zapato 3.


“Esto no es Sad Face” es distribuida por Circuito Gran Cine y tendrá funciones de estreno

en Caracas y Maracaibo con la presencia de Moreno, protagonista de la historia, el director

y parte de su elenco. La cinta estará en salas comerciales desde el 8 de octubre.

Se pueden seguir las noticias de la película a través de @rock.tv.2 en Instagram.



jueves, 19 de marzo de 2026

Del Mediterráneo al Caribe: Un viaje de regreso con "Sursum Corda, Amore"

 ¿Qué nos impulsa a volver a las raíces cuando el mundo que conocimos ha cambiado? Hace una semana se estrenó en Venezuela la ópera prima del escritor y cineasta G. Galo, un documental íntimo que es, en esencia, una carta de amor y memoria.


La cinta registra el viaje de Galo junto a su abuela, quien llegó a Venezuela a finales de los años 50 y, seis décadas después, decidió reencontrarse con su tierra natal en Italia. Es un diálogo entre dos generaciones de migrantes: la Italia de posguerra que ella dejó atrás y la Venezuela actual que su nieto habita desde la distancia (residiendo fuera del país desde 2014).

Un legado que trasciende el tiempo
Aunque el proceso de finalización tomó años y su abuela no pudo ver el resultado final, la película inmortaliza ese verano de 2016 donde ambos recorrieron los paisajes que la vieron nacer. Es un retrato poético sobre el optimismo, la herencia vital y una pregunta que resuena en muchos hogares hoy: ante la crisis, ¿volverías a migrar?

Identidad en cada fibra

La comunidad italo-venezolana, con casi dos millones de personas, es columna vertebral de nuestra cultura. Esa hermandad nos une de la misma forma que lo hacen las raíces portuguesas o españolas. Lo vemos en nuestra cotidianidad y, por supuesto, en nuestra música; figuras como Yordano o Jorge Spiteri supieron amalgamar el pop y el Caribe con la esencia de la tierra de sus padres, creando un sonido que nos define.

¿Por qué ir al cine ESTA semana?

El cine nacional nos necesita. Por ley, las producciones venezolanas suelen permanecer solo dos semanas en cartelera a menos que la taquilla responda con fuerza.

Ir a ver "Sursum Corda, Amore" no es solo disfrutar de una gran historia; es un incentivo directo para que nuestra industria local siga creciendo. Apoyar estos lanzamientos es asegurar que nuestras propias crónicas sigan teniendo un lugar en la pantalla grande.

¿Dónde verla? Consulta la cartelera de Cines Unidos, Cinex y  salas independientes.

¡No dejes que se vaya de las salas sin verla!




miércoles, 29 de enero de 2025

Del sonido a la imagen: 5ta edición de FERNE, Encuentro de Música Electrónica para Visuales



FERNE es un concierto presencial de músicos creadores de composiciones musicales y electrónicas (realizadas mayormente con instrumentos y medios electrónicos y digitales) dirigidas especialmente a audiovisuales: documentales, películas, comerciales, cortos animados o artísticos, por ejemplo, con proyecciones de producciones visuales que realcen la presentación musical.

Este Festival es itinerante porque se presenta en varios escenarios de la ciudad, del estado o del país en el lapso de un año.

Este 2025 la 1ra presentación será el 31 de enero en el auditorio del CEVAZ (Centro Venezolano Americano en Maracaibo, estado Zulia) con 4 artistas electrónicos venezolanos en vivo a las 7pm. 2 son noveles artistas:




Washé 

El tejedor de sonidos ancestrales y electrónicos. Fusiona las ricas tradiciones indígenas de Venezuela con la vanguardia de la tecnología musical. A través de colaboraciones multimediales, Washé se convierte en un puente entre el pasado y el futuro, entre la sabiduría ancestral y la innovación contemporánea. Hace unos meses lanzó su más reciente trabajo discográfico Madre, en colaboración el productor italiano Go Dugong, en el cual el trabajo de campo, en plena selva venezolana, sirvió de materia prima para crear piezas de vanguardia.




eCanaan 

Con una amplia trayectoria cómo músico y productor, Enrique Rincón, conocido también cómo Canaán, se especializa en la composición de música electrónica orquestal, música acústica orquestal y música ambiental con étnica, incluyendo fragmentos étnicos de flautas y canciones indígenas venezolanas, así cómo sonidos electrónicos y tambores afro-venezolanos para cine de ficción, cine documental,  danza, teatro y medios mixtos.



Andrés Rojas 

Músico caracterizado por explorar el vasto mundo de la síntesis, mezclándolo con texturas vocales y orquestales. Tras componer bandas sonoras para dos videojuegos y un cortometraje, por primera vez se presentará en vivo con composiciones inéditas.



Julián Ortega 


También conocido por su nombre artístico, j.artehaga, es un joven artista que explora en géneros como la electronica, ambient y lo-fi. Comenzó en el ambito de la composición hace un año, haciendo uso de armonía tonal moderna y sus influencias de música clásica como pianista

El Festival está dirigido a personas relacionadas con trabajos creativos, estudiantes de medios audiovisuales y al público en general. FERNE propaga información, ideas e inspiración a todo realizador de audiovisuales de cualquier nivel.

El Festival ha sido diseñado de una manera simple y efectiva, lo que permite su presentación en diversos escenarios. Es su intención llevarlo a Escuelas, Universidades, Comunidades y diferentes poblaciones del país.


También en FERNE se ofreceráun taller de creación de música electrónica en el mismo auditorio una hora antes del concierto, a las 6pm:

Del sonido a la imagen: Un viaje por el diseño sonoro en audiovisuales. Sumérgete en el universo de FERNE y descubre los secretos detrás de las atmósferas sonoras que te transportan a otros mundos. En esta charla, exploraremos cómo el diseño sonoro se convierte en un elemento fundamental para crear experiencias audiovisuales inmersivas. Desde la selección de sonidos hasta la creación de efectos especiales, te mostraremos cómo el sonido puede transformar una imagen en una experiencia multisensorial Entrada Libre.

Producido por Enrique Rincón y Carlos Conde para Ethco @ethcorecords y Cevaz @cevaz_zulia

Información: +58 414 3688798



 

martes, 16 de enero de 2024

In Memoriam 2024 honrará a las víctimas del Holocausto

 con una programación que promueve el arte y la resiliencia para la libertad

 

Espacio Anna Frank organiza las actividades que se realizarán en varias ciudades del país y que comenzarán con un acto central el domingo 28 de enero a las 3 pm, en el Teatro del Centro Cultural Chacao, con la exposición Testimonios, que reúne relatos de sobrevivientes del Holocausto radicados en Venezuela y un concierto con la Orquesta Sinfónica Gran Mariscal de Ayacucho, bajo la dirección del maestro José Ricardo Pacheco

 



Caracas.- In Memoriam 2024 regresa en enero con un gran acto central protagonizado por la música clásica para recordar a los millones de judíos europeos perseguidos y asesinados por los nazis, sus aliados y colaboradores durante la Segunda Guerra Mundial. Con el tema “Arte y resiliencia para la libertad”, la programación de este año se llevará a cabo en diversos puntos del territorio nacional hasta el mes de marzo, con actividades diseñadas para promover el respeto de los derechos humanos universales.

Desde hace 14 años, Espacio Anna Frank organiza esta programación especial para honrar cada 27 de enero el Día Internacional de Conmemoración Anual en Memoria de las Víctimas del Holocausto, adoptado por la Asamblea General de las Naciones Unidas en la resolución 60/7. Aquel día en 1945, las tropas soviéticas liberaron el campo de concentración y exterminio nazi de Auschwitz-Birkenau, donde se estima que fueron aniquiladas más de 1,1 millones de personas.  

Recordar desde la conciencia de su gravedad el Holocausto o Shoá ─que en hebreo significa catástrofe─, es salvaguardar tanto el presente como el futuro, siempre que se asuma la responsabilidad individual y colectiva de fomentar la inclusión, la igualdad, la solidaridad, el respeto al otro y las diferencias para coexistir pacíficamente. 

La programación de In Memoriam 2024 cuenta con el apoyo de la Orquesta Sinfónica Gran Mariscal de Ayacucho (OSGMA) y el Centro Cultural Chacao, así como con el auspicio de Anne Frank Fonds, las misiones diplomáticas en Caracas de Alemania, Italia, España, Polonia y Francia, el Instituto Italiano de Cultura de Caracas, el Consejo General de los Italianos en el Exterior (CGIE), Unión Radio y Centro Venezolano Americano. También colaboran las embajadas de Argentina y el Reino de los Países Bajos, Alcaldía de Chacao, Cultura Chacao, Comisión de Gestión Urbana y Turismo de Chacao, Cinex, Evenpro, Museo Kern-Unión Israelita de Caracas, Comité Venezolano de Yad Vashem, Blancica, We Remember y otras organizaciones locales. 

MÚSICA PARA LA LIBERTAD

El acto central de In Memoriam 2024 se llevará a cabo el domingo 28 de enero a las 3 pm, en el Teatro del Centro Cultural Chacao, en Caracas, con recorridos guiados por la exposición Testimonios, que reúne relatos de sobrevivientes del Holocausto radicados en Venezuela, y que fueron documentados por la escritora venezolana Jacqueline Goldberg en tres volúmenes bajo el título Exilio a la vida.

A las 4 pm se cerrarán las puertas del teatro para iniciar las intervenciones de los invitados especiales y luego la OSGMA, bajo la dirección del maestro José Ricardo Pacheco, será la protagonista de la velada con la interpretación de un bello repertorio cuidadosamente seleccionado para honrar la memoria de quienes perdieron la vida bajo el horror del nazismo.  

Entre otras piezas musicales, se podrá escuchar el tema principal de La lista de Schindler, de la banda sonora escrita por John Williams para la célebre película, una obra inspiradora cuyas melodías evocan la belleza de la vida, la melancolía y el valor de la libertad. 

De Gustav Mahler se interpretará Lieder eines fahrenden Gesellen (Canciones de un compañero de viaje), con la intervención del barítono Anderson Piaspam. Los asistentes también podrán escuchar Shelomo, de Ernest Bloch, considerada la más gloriosa de sus composiciones del “ciclo judío” inspiradas en la Biblia, con la participación de Carlos Linares como solista. En esta pieza el solo de violonchelo personifica y le da voz al rey Salomón. 

El programa finalizará con el Retrato de Lincoln (Oda al hombre libre), de Aaron Copland, una obra para recordar que no “podemos escapar de la historia”, como dijo el presidente estadounidense en uno de sus discursos citados en la composición. La primera actriz Julie Restifo estará a cargo de la narración. 

El locutor, diseñador gráfico y publicista Antonio Vasco será el maestro de ceremonias del acto, en el que se contará con intervenciones del embajador Milos Alcalay y Ruth Capriles, presidente y representante de la Junta Directiva de Espacio Anna Frank, respectivamente; Johannes van Der Vegt, primer secretario de la Embajada de la República Federal de Alemania en Venezuela y Giovanni Umberto De Vito, jefe de misión de la Embajada de Italia en Venezuela. 

Las personas interesadas en disfrutar del concierto, sin ningún costo, pueden reservar su asiento completando su registro en el siguiente enlace.

 

REFUGIO Y ESPERANZA EN EL ARTE

Este año In Memoriam tiene como leitmotiv “Arte y resiliencia para la libertad”, para recordar cómo muchos de los prisioneros judíos bajo el régimen alemán nazi y sus colaboradores encontraron en la expresión estética o artística una razón para aferrarse a la vida. Tal vez porque como dijo el pintor Marc Chagall, perseguido y exiliado durante la Segunda Guerra Mundial, el arte “es sobre todo un estado del alma”. 

Desde los guetos, los campos de concentración y campos de trabajo, muchos de sus habitantes fueron testigos ─cuando no fueron víctimas del horror, de la deshumanización hasta su exterminio─, transformando lo que veían y sentían en arte o documentos para evidenciar la catástrofe. 

Hay testimonios de mujeres que para sobreponerse al hambre cocinaban en su imaginación, escribiendo recetas familiares o de la cocina hebrea en cualquier pedazo de papel. Otros prisioneros drenaron, hicieron registros históricos, protestaron y construyeron una cultura para la supervivencia, con la esperanza puesta en recuperar su vida mediante expresiones como la música, el teatro, la escritura, el dibujo o la pintura. 

El Museo de Auschwitz, ubicado en el mayor campo de concentración y exterminio nazi, tiene en su colección obras que eran consideradas “ilegales”, que fueron realizadas a escondidas de las SS. Sus autores terminaron en su mayoría en las cámaras de gas. En 1941, en este lugar se creó la orquesta de prisioneros, con el propósito de darle aliento a los cautivos al partir y regresar de los trabajos forzados. La agrupación llegó a tener más de 100 integrantes y ofrecía conciertos durante los fines de semana sin importar el cansancio de las faenas extenuantes. Uno de los prisioneros de aquel centro de muerte fue el tenor italiano Emilio Jani, cuyas memorias son evidencia del arte de la resiliencia con el título Mi voz me salvó. 

El pintor esloveno Zoran Mušič sobrevivió al campo de concentración de Dachau, donde realizó más de 100 bocetos de su estancia en el lugar. Entre 1943 y 1944, el italiano Carlo Levi escribió su famosa novela Cristo se detuvo en Éboli, mientras permanecía escondido para evitar ser prisionero de los nazis. El pintor francés Boris Taslitzky pintó en las paredes de las celdas donde estuvo detenido en Francia y cuando fue deportado al campo de concentración de Buchenwald, retrató a sus compañeros de prisión y dibujó las condiciones de vida a las que estaban sometidos. 

El llamado “gueto modelo” de Theresienstadt, hoy Terezín, República Checa, en el que los nazis reunieron a una gran cantidad de escritores, intelectuales y artistas, produjo el mayor conjunto de expresiones artísticas. Es considerado un sinónimo de "la música de la Shoá" y también como un “campo de espectáculos”, donde se compusieron y se estrenaron obras musicales en los más variados estilos. Fue el escenario donde se estrenó y se interpretó más de 50 veces Brundibar, la ópera para niños de Hans Krása e interpretada por un coro de infantes recluidos en aquel lugar. Tanto el autor como los chicos fueron aniquilados posteriormente en las cámaras de gas. El músico de jazz alemán Coco Schumann sobrevivió a Terezín y dijo que “la música puede salvarte: si no tu vida, por lo menos el día”. 

Otro ejemplo de la efervescencia artística de Terezín fue la labor de la artista de la Bauhaus Friedl Brandeis, quien se dedicó a dar clases de arte a niños de forma clandestina y realizó decorados para las presentaciones infantiles. Antes de ser deportada y asesinada en Auschwitz, dejó dos maletas con cerca de 5.000 dibujos realizados en sus clases, que actualmente se encuentran en el Museo Judío de Praga.  

DESDE LA GRAN PANTALLA

El ambiente, las hazañas y los hechos reales del gueto de Theresienstadt se exponen en la película El arte de la supervivencia (Le terme di Terezín) del productor y guionista italiano Gabriele Guidi, que debutó como director con este largometraje con un elenco de actores internacionales. El filme se presentará como parte de In Memoriam 2024 el sábado 3 de febrero a las 11 am, en Cinex Sambil de Chacao, en Caracas, como antesala de la CINEtertulia.

El filme parte de la historia de amor entre Antonio, un clarinetista italiano que se muda a Praga y se enamora de una violinista checoslovaca, Martina, durante la Segunda Guerra Mundial. Al poco tiempo la pareja es recluida en el gueto de Terezín, donde sus vidas se entrelazan con las de artistas e intelectuales judíos encarcelados que se sobrepusieron al hostigamiento en sus últimos días, justamente por aferrarse a sus expresiones culturales. 

El arte de la supervivencia es una coproducción entre Italia, República Checa y Eslovaquia, con guion de Gabriele Guidi y Ennio Speranza, protagonizada por el actor italiano Mauro Conte y la actriz eslovaca Dominika Moravkova. En el reparto también participan Alessio Boni, Cesare Bocci y Antonia Liskova. 

La proyección del filme es abierta a todo público a partir de los 14 años de edad.

GIRA CULTURAL

La programación de In Memoriam 2024 contempla una gira cultural en alianza con organizaciones locales, que se extenderá hasta el mes de marzo por los estados Táchira, Lara y Nueva Esparta, con diferentes actividades que facilitarán el encuentro y el debate sobre el genocidio perpetrado contra judíos y otras minorías durante la imposición del régimen nazi, así como la importancia de defender los derechos humanos universales.  

En el recorrido por los estados, el público podrá asistir a las proyecciones de El arte de la supervivencia, recorridos por la exposición Testimonios y participar en coloquios sobre el impacto o trascendencia de la Shoá. 

Igualmente, se realizarán encuentros de jóvenes por la coexistencia y recitales con los poemarios No he visto mariposas por aquí, compilado por el Museo Judío de Praga y Las horas negras, de la escritora venezolana Raquel Markus-Finckler. 

Para mayor información se puede visitar el sitio web www.espacioannafrank.org así como sus redes sociales: Facebook: espacioaf, X: @EspacioAF e Instagram: @espacioannafrank. 

miércoles, 9 de agosto de 2023

MUERE SIXTO RODRIGUEZ, PROTAGONISTA DEL DOCUMENTAL "SEARCHING FOR SUGAR MAN'



 El conocido cantautor folk-rock falleció, en horas de la mañana, en su natal Detroit, a la edad de 81 años.


De origen mexicano, Rodríguez grabó, a principios de los ´70, dos álbumes de escasa repercusión tanto en Estados Unidos cómo en el resto del mundo, lo cual obligó al músico a retirarse a mediados de esa década.


Lo que no sabía el compositor e intérprete es que en Sudáfrica, un país aislado del mundo por sus políticas de segregación racial, sus discos se habían convertido en la banda sonora de una juventud descontenta con el sistema imperante, vendiendo miles de copias, e influyendo además en la escena musical local conocida como Vöelvry.


La historia de Rodríguez, músico el cual tardó casi veinte años en enterarse de su éxito en un país extranjero, sirvió de material para el documental de 2012 Searching for the Sugar Man, dirigido por el difunto cineasta sueco Malik Bendjelloul.



El audiovisual obtuvo galardones como el Oscar a mejor documental, y su equivalente británico, el BAFTA, dándole a Rodríguez, en ese entonces un músico de 70 años, la fama internacional.


Pese a la buena recepción crítica, el documental fue también cuestionado por obviar el éxito de Rodríguez en países como Australia, país en el cual giró a principios de los ´80, grabando allí el primero de sus dos álbumes en directo: Rodriguez Alive.


Pronto haremos un especial dedicado a Rodríguez, así como a la recientemente fallecida cantante irlandesa Sinnead O´Connor, otra pérdida para la música éste 2023.

miércoles, 7 de junio de 2023

Erotika Perennis: entre el orgasmo y la vanguardia.

Imágenes explícitas. Sonidos Insólitos. Eso fue lo que presentó Doctor Fakuménica, colectivo liderizado por Andrés Levell, el pasado 31 de mayo en el centro de arte Los Galpones. Un espectáculo estéticamente (y moralmente) transgresor.


por ErnestoSoltero.

Fotos: Fidel Pirona


AndrésLevell se ha hecho un nombre en la escena venezolana. Tanto con sus ensambles como en sus presentaciones solistas, se ha convertido, desde hace más de una década, en referente de la vanguardia caraqueña. Un movimiento artístico al cual poco le importa el éxito de Bad Bunny o la muerte comercial del rock´n´roll. Levell, al igual que otros músicos experimentales, no busca complacer a nadie, y sin embargo, ha logrado llegar un poco más lejos que otros de su misma tendencia.


Actualmente se encuentra reactivando el ensamble Doctor Fakuménica, en la cual mezcla elementos como la improvisación y la atonalidad, típicos de su repertorio habitual, con la proyección de películas, las cuales, según hemos visto hasta ahora, pertenecen a la era del cine mudo. A diferencia de otras agrupaciones similares tales cómo Teatros Automáticos, sus sonidos, aunque disonantes, tienden más a lo acústico que a lo eléctrico. Además, el grupo no suele intervenir o modificar los filmes originales.


Por ahora, en esta nueva etapa, Doctor Fakuménica ha presentado su propuesta un par de veces, y se prepara para un tercer espectáculo. En una primera ocasión musicalizaron cintas de George Meliés, uno de los grandes pioneros de las artes cinematográficas. Posteriormente le pusieron acompañamiento sonoro a un tipo de películas más subterráneas, no demasiado renovadoras, aunque con claras intenciones comerciales: el cine porno de principios del siglo XX.

Del Vodevill al porno

En sus inicios el cine no era arte, era ciencia y era circo. A las puertas del siglo XX el mundo civilizado se asombraba con los avances tecnológicos, pero también se entretenía con comedias teatrales populacheras o hazañas acrobáticas. El cine , en su fase inicial, no era más que otro añadido a los espectáculos de variedades. La simple imagen de un tren en movimiento dejaba al público estupefacto.

El objetivo de este artículo, sin embargo, no es contarles la historia del séptimo arte. Todos sabemos que el cine se convirtió en algo más complejo. Tomó elementos del teatro y la literatura. Creó sus propios códigos narrativos en base a la imagen. Ya no era necesario ver actores en vivo para presenciar un drama o una comedia. Adicionalmente, no sólo los “Shakespeare” o los “Dumas” de esa nueva era de progreso se dieron cuenta del potencial de este nuevo medio de comunicación. También los mercaderes de la sexualidad.

Y es aquí dónde nos damos cuenta, gracias a los integrantes de Doctor Fakuménica, que la historia del cine porno es casi tan antigua cómo la historia del cine en general. Para la ocasión se proyectaron 10 piezas filmadas entre 1905 y 1930 las cuales, hoy día, en plena era de onlyfans, siguen siendo (aunque eso depende de nuestra visión subjetiva) tan incómodas cómo excitantes. Cintas hechas al comienzo de un siglo repleto de avances técnicos y rupturas artísticas, pero también de teorías psicoanalíticas cómo las de Sigmund Freud (Bastante enfocadas en el tabú) o de novelas eróticas guarras (aunque con un contenido más profundo) como “Las 11 mil vergas” de Apollinaire.


Porno + Vanguardia ¿Una fusión improbable?

Normalmente asociamos la música con sensaciones o emociones humanas. Un bolero, por ejemplo, nos evoca melancolía, mientras una canción “funk” nos sugiere sexualidad. Todo ello responde más a nuestro condicionamiento socio-cultural que a un análisis objetivo. No obstante, los géneros bailables, llenos de sonidos graves que hacen vibrar las caderas, suelen hacer buena simbiosis con lo erótico. Las disonancias o los ritmos asimétricos, por otro lado, no suelen asociarse a este tipo de percepciones.

La música experimental suele romper con los esquemas clásicos y también populares. Incluso elementos estandarizados como la escala tónica occidental se vuelven prescindibles. Inconscientemente, por tener una estructura impredecible, llena de tonos discordantes o cambios inesperados, nos transmite el mismo temor que sentimos por lo desconocido. Por ello funciona tan bien en las películas de horror o suspenso. Un ejemplo lo tenemos en la famosa escena en la ducha de la película Psycho (Hitchcock, 1960) con la icónica banda sonora compuesta por Bernard Herrmann. Adicionalmente, este tipo de sonoridades funcionan muy bien al mezclarse con performance o video-arte, se vuelven más digeribles gracias a la imagen.

Pero una cosa es la proyección de imágenes artísticas y otra muy distinta mostrar sexo puro y duro en una pared. Por ello, Erotika Perennis, el montaje pornográfico de Levell y compañía, parecía destinado, porque sí, a chocar con los espectadores. Música de difícil escucha para el oyente promedio mezclada con imágenes las cuales, alrededor de un siglo después, y aun en blanco y negro, siguen ofendiendo a cierta audiencia sensible, en especial cuando se rompen códigos aun vigentes como la heterosexualidad, la monogamia o las creencias judeocristianas. No obstante. Era ilógico emitir un juicio a priori. Debíamos vivir la experiencia.

Atonales, pero orgásmicos.

Es posible que, separada de la pornografía lo interpretado por Doctor Fakuménica, en su segunda presentación, nos pueda sonar a cualquier otra cosa. Cualquier imagen puede venir a nuestra mente con tan solo escuchar sus tonos discordantes, sus ritmos asimétricos, sus cambios repentinos de velocidad, así como algunos exóticos y poco familiares timbres sonoros.

Pero al mezclar sus melodías atonales con los fotogramas en movimiento, notamos una sincronía la cual nada tiene que envidiar, por ejemplo, al trabajo de compositores cómo Scott Bradley, conocido por su trabajo para los cortos animados de Tom y Jerry. Todo ello entendiendo, obviamente, que las melodías de Bradley, aparte de usar tanto lo clásico como lo vanguardista, se dirigían a un público más infantil.


La banda sonora de Levell y compañía, preparada para la ocasión, fue realmente consonante con el vaivén de una relación sexual. Los instrumentos de viento parecían sonar como nuestra respiración durante el coito. El piano sonó como si alguien - acaso una espontánea parejita oculta en la oscuridad de la sala de proyección- hubiese usado impulsivamente sus teclas como cualquier colchón de hotel, mientras la percusión, en
crescendo, parecía imitar los golpes de la cabecera de la cama en plena pared. Y la voz (Esa descontrolada y operática voz) no daba lugar a dudas: definitivamente sonaba cómo un orgasmo.


Pese a la proyección de imágenes orgiásticas con algo de sadomasoquismo y (una pequeña dosis de bestialismo) en concordancia con las disonancias sonoras, los espectadores, aunque bastante sorprendidos, no se mostraron especialmente molestos. Algo de morbo, y seguramente deseos de catarsis, había entre los asistentes. Al parecer, una película “de autor” puede expulsar más espectadores de una sala que una cinta pornográfica.


Doctor Fakuménica se presentará, nuevamente, el domingo 11 de junio, a las 3pm, en el galpón 17 del Centro de Arte Los Galpones (Los Chorros, Caracas). En esta oportunidad no proyectarán pornografía, sino películas dadaístas y surrealistas bajo el nombre de ANEMIC CINEMA.


𝘑𝘢𝘯𝘪𝘴 𝘋𝘦𝘯𝘪𝘴 (voces)⁣
𝘑𝘢𝘪𝘮𝘦 𝘋𝘦 𝘈𝘳𝘮𝘢𝘴 (Flautas)⁣
𝘒𝘢𝘳𝘫𝘦𝘭𝘪𝘯 𝘊𝘩𝘢𝘤𝘰́𝘯 (Percusión)⁣
𝘉𝘰𝘳𝘪𝘴 𝘗𝘢𝘳𝘦𝘥𝘦𝘴 (Violín)⁣
𝘓𝘪𝘣𝘦𝘳 𝘖𝘴𝘤𝘩𝘦𝘳 (Corno)⁣
𝘍𝘳𝘢𝘯𝘻 𝘓𝘪𝘴𝘻𝘵 𝘍𝘪𝘨𝘶𝘦𝘳𝘢 (Violoncello)⁣
𝘈𝘯𝘥𝘳𝘦́𝘴 𝘓𝘦𝘷𝘦𝘭𝘭 (Piano, objetos y dirección artística)